Quirarte+Ornelas Extrapolación

Quirarte+Ornelas

Extrapolación

Un rizoma no empieza ni acaba, siempre está en el medio,
entre las cosas, inter-ser, intermezzo.

Gilles Deleuze y Félix Guatarri

Habrá que comprender el trabajo artístico de Quirarte+Ornelas desde una perspectiva amplia, con una noción capaz de entender que lo que se ve es parte de un mecanismo de producción de años de conformación, en el que hay un proceso de investigación sobre la forma en sus diferentes estados, ya sea como objeto, concepto o imagen pictórica. La obra invita a poner en tela de juicio el estado “original” de la forma;  ésta, tridimensional o bidimensional, sugiere que el mundo matérico puede ser también concebido de otra manera. El trabajo de Quirarte+Ornelas induce a observar desde esta noción el sistema de ejecución a partir de la pluralidad de la obra. El rizoma, como herramienta epistemológica, permite pensar en la organización de elementos, su desarrollo y evolución desde cualquier punto sin seguir una dirección determinada.

Lo que se presenta en esta exposición es sólo una parte del entretejido de posibilidades de creación de otras piezas. El punto de partida no es la estructura tridimensional o la escultura, sino el proceso creativo lo que hace posible su proliferación bajo una estructura libre, aunque delineada. Las piezas, como un rizoma, crecen indefinidamente, se posicionan como un nodo del que se generan líneas de conexión hacia la creación de otras piezas. Por eso es imposible pensar en un inicio y un fin: el entramado de su producción es rizomática, apela a la generación del conocimiento que no está dado por una estructura lineal, sino múltiple.

La mayor parte de las estructuras son llevadas al plano pictórico, sin embargo, ello no quiere decir que sea su último estado, pues se abre a la posibilidad de que se conviertan en cualquier otra cosa. Pueden pasar al plano pictórico o bien devenir una pieza bidimensional realizada con hilo, de la misma manera en que una estructura base como una pirámide puede convertirse en el negativo de una escultura, o ser la pauta de otra pintura o escultura. La extrapolación de formas bidimensionales y tridimensionales, y de los conceptos que las determinan, está marcado por el proceso creativo. Las piezas son resultado de un desarrollo fundado en la conexión que hay entre cada una de ellas, y es esa conexión la que las entrelaza.

La propuesta artística anuncia la posibilidad de diversificar una misma pieza con la idea de replicarla alterando algunas características como el soporte, la forma o el material, y, fundamentalmente, con la pieza misma. Es en ese suceder que la diferencia está marcada; la intencionalidad de hacer una pieza semejante a otra catapulta a un polo distinto, aunque no necesariamente opuesto. Se trata de tender puentes, de conectar saberes y haceres; lo que hace evidente el entrecruzamiento y la extrapolación de objetos y conceptos es la obra.  Lo demás, aunque invisible, es el sólido fundamento del trabajo de este dúo de artistas. El proceso de creación a nivel cognitivo está en constante desarrollo. No hay duda de que lo que sigue será una nueva propuesta nacida en el cruce de caminos de múltiples conexiones y saltos que la obra de Quirarte + Ornelas ofrece.

-Natalie Gama Pourdanay

Exposición en SISMO Gallery. Del 29 de enero al 4 de marzo de 2017. 
Sismo Gallery
Celaya 4, Hipódromo Condesa, CDMX

sismo.gallery

www.quirarteornelas.com

Defendiendo mi tesis - 2012

> Estimado Andrés,

> Ya revisé detenidamente los comentarios que me haces en relación a la estructura discursiva de cada segmento. Acepto los comentarios respecto al segmento 1, sé que tiene que cambiar para que cuaje mejor. Sin embargo, en relación al análisis de los tres artistas, aunque sé muy bien que el acercamiento que hago de cada uno de ellos es diferente, y que metodológicamente para una lectura de una tesis esto no es conveniente, la idea de UNIFICARLO, me hace ruido por varias razones: una; el acercamiento que hice en cada uno fue la entrada directa que encontré, a ventana por la que entré, digamos que fue la que estaba abierta, cambiar esto, sería quizá cambiar todo mi discurso o "resolverlo". Si lo hice así fue por una razón; dos, el planteamiento de Maffesoli mismo del segmento 1, trata, entre otras, la heterogeneidad de pensamiento, de generar pensamiento. UNIFICAR el contenido discursivo contradice con lo que propongo. La idea de la tesis misma es demostrar que para poder hacer un acercamiento a una obra de arte o un artistas las variantes son infinitas. Muchas veces el trabajo de un artista no abarca toda una idea (como en el caso de Cai Guo-Qiang, por eso fue conveniente entrar por el caso específico). En el caso de Pina, quizá, hasta no es necesario el acercamiento a una obra en específico porque la manera en que su obra se presenta tiene ya implicaciones (el cuerpo) evidentes que funcionan como punto de partida de reflexión. En fin, de alguna manera considero que el segmento 1 invita al lector a pensar, digamos, desde la razón sensible para entrar a la discusión y entender que la heterogenidad de pensamiento es rizomático, y no necesita ser unificado, similar o igual. Justamente, esta razón es por la cuál decido "cerrar" con una especie de conclusión a través del acercamiento de diversos pensadores. Preguntando, ¿quién concluye? o ¿cómo concluye? ¿En realidad concluye?

> Considero, que al final, lo que quiero decir que el pensamiento se puede generar aún cuando se escapa de toda instrumentación, sobre todo metodológica. Y creo que en ese sentido sí lo logro...

> Ahora, que sí considero necesario jalar el segmento uno a la conveniencia de los demás para hacer más fuerte el argumento.

> Pero dime, ¿de verdad es necesario que haga estas modificaciones radicales en función a unificarlo? Por su puesto que le hacen falta nexos y puentes al discurso, pero, ¿trabajar del mismo modo a cada artista?

> Saludos,
> Natalie

Respuesta a los comentarios del director de tesis. Casa Lamm, México. Marzo 2012.

Fauve / Dodecahedron - Víctor Rodríguez

Fauve / Dodecahedron

Víctor Rodríguez

¿Es ella o el retrato, la fiera o el color, realismo o hiperrealismo, lo abstracto o el concepto? Para qué buscar encasillar en una definición determinada el trabajo Victor Rodriguez, para qué cerrar el hacer en el discurso cuando se puede partir de lo que no-es. En un primer momento aparece ella como si fuera la protagonista, después se escapa para convertirse en otra cosa a través del juego del dodecaedro. Se muestra un regreso constante a la memoria y al pasado que a su vez, remite al presente. El artista abstrae una parte de la realidad jugando con la repetición que ofrece el dodecaedro. Una repetición tan variable que es precisamente la marca de la diferencia y de lo lúdico. Recurre a la memoria retomando el pasado para recordar lo más tangible, el presente. Es desde el juego de lo cíclico y la circunferencia, del ir y venir en la memoria, que logra la abstracción entre la similitud y diferencia del color. En eso lúdico, ella se escapa del retrato para convertirse en otra cosa. Es abstraer del color, del fauvismo, de la imagen, de la fotografía, del retrato, de la figura, de la realidad, de ella misma y de la propia geometría. Es la abstracción en el sentido primero del término y no del concepto, es recurrir a una parte del todo. Lo geométrico se transgrede a través del color, la persona con el retrato y éste con la conceptualización de la figura. Una sinfonía de partes de lo otro forma una configuración plástica, única, que se hace posible desde la individualidad de la obra, que emerge desde imposibilidad de la perfección y el detalle del saber-hacer de Victor Rodriguez.

Natalie Gama Pourdanay

Texto de sala

Museo de la Cancillería - Abril, 2014

Enigma: lo gestual y lo cotidiano

ENIGMA: lo gestual y lo cotidiano

La Secretaría de Relaciones Exteriores, a través del Instituto Matías Romero y el Museo de la Cancillería, se complace en conjugar, por cuarto año consecutivo, una colección de arte contemporáneo producido en México, derivada del programa Pago en Especie del Servicio de Administración Tributaria de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público. Es una muestra de gran importancia por su representatividad y el número de contribuciones fiscales que, mediante este programa, cumple con una función social, bajo la premisa institucional de apoyar y estimular la creación artística. La Secretaría de Relaciones Exteriores ha asumido la misión de exhibir y promover este conjunto de obras, apoyada en sus representaciones diplomáticas y consulares en los diferentes países en que se asientan. De este modo, es posible promover el intercambio y el saber de la producción artística contemporánea mexicana.

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En esta exposición la realidad, el espacio y el tiempo convergen porque recurren a lo cotidiano en el sentido del lugar en que habitamos, y evocan el origen, desde un impulso gestual de expresión artística, en una atmósfera que invita al desciframiento. Las obras expuestas atraen porque generan una relación sensorial con los recursos pictóricos y los procesos técnicos. Algunas presentan la naturaleza con animales y plantas de forma abstracta o figurativa, desde un paisaje natural, hasta uno geométrico. Otras muestran lo urbano y la arquitectura o se centran en la anatomía humana y en el cosmos.

La expresión de esta colección recurre a lo gestual y lo cotidiano, en una producción artística que surge desde el enigma. Cuando la realidad se presenta en una dimensión más compleja, que no está condicionada por discursos establecidos, ni por jerarquizaciones estéticas, el enigma funciona como herramienta teórica que abre condiciones de posibilidad de pensamiento. La colección se desarrolla en un juego de elementos entre el espacio, la forma, el color y la textura que se revela a través del dibujo, la pintura, el grabado, el collage, la impresión digital, la escultura, entre otras. Lo gestual y lo cotidiano son el común denominador de la complejidad y diversidad de la exhibición. Lo gestual en tanto a que es una acción del artista en un sentido de expresión y lo cotidiano, como el recurso que remite a pensar al hombre con la naturaleza y su entorno.

La visión en conjunto de la exposición apela por una sabiduría que va más allá del lenguaje artístico o gramatical, en un sentido de expresión humana que todavía no se estructura como discurso. Es el enigma la directriz de la muestra porque narra el resultado de las intensidades del proceso de creación artística; empuja a pensar que en la multiplicidad, es posible encontrar los puntos de encuentro en una colección de arte. 

Natalie Gama Pourdanay

Sandra Liñero Franco

AZUL NOPAL - Roger von Gunten

AZUL NOPAL

Roger von Gunten

Esta selección se reúne gracias a un impulso del artista de querer exhibir una colección que durante años se conformó detrás de un riesgo pérdida. El autor protegió un conjunto de más ochenta telas, numerosos acrílicos y dibujos que realizó durante tres décadas en medio de una problemática legal. La preferencia y representatividad personal es el único hilo conductor que conjuga la obra.

La muestra, nunca antes exhibida, fue elaborada durante un proceso que implicó sentencias de pago, tribunales, juicios y amparos en donde había la posibilidad de que la producción artística del autor fuera completamente despojada de su propiedad. Entre acusaciones falsas y falaces se buscó hurtar. El resultado final fue la creación de un mecanismo para que la obra perteneciera a una asociación civil. Dadas las circunstancias la obra de Azul Nopal, se convirtió para el artista en una colección personal, de apego, de sosiego, de recuerdos y de trayectoria de un periodo en una vida. El montaje de esta selección de veinticuatro obras se hace cronológicamente, aunado a esta idea de una narrativa que cuenta una historia detrás de los colores, de las formas, del imaginario del maestro Roger von Gunten. 

Natalie Gama Pourdanay

Texto de sala

Exposición en el Museo de la Cancillería

Julio 2015

http://www.excelsior.com.mx/expresiones/2015/07/05/1032940

Nota de prensa

Excelsior

05.07.2015

Dentro y fuera - Mario Núñez

Mario Núñez

Dentro y fuera

El humor y la ironía aparecen relacionados con la repetición,
pues se apartan de las leyes al mismo tiempo que las enuncian.

Gilles Deleuze

“Dentro y fuera” es una exposición que presenta la obra más reciente de Mario Núñez. Conjuga en una misma muestra, una serie de objetos articulados con sus pinturas, que enuncian su devenir plástico hacia el campo tridimensional.

Sin tener un carácter retrospectivo, esta exhibición proyecta la evolución del quehacer artístico de Mario Núñez. Es elocuente la madurez alcanzada en su trabajo; madurez entendida como la capacidad de plasmar el proceso creativo, a través del juego de la línea, la luz, el fragmento y el color.

La obra traza un esquema arquitectónico, desde una estructura hasta una idea o sensación, pareciera un esbozo enmarañado del tránsito del hacer, del pensar y del sentir. Revela la infinidad de posibilidades en la superposición de la línea. La repetición es el rasgo y la marca de la diferencia: emerge cuando se despliega en conjunto. La singularidad de cada obra surge en la repetición y es ahí donde radica la ironía, porque nunca es igual. Dentro y fuera es el juego interno de la repetición, es la acción de expresar.

Natalie Gama Pourdanay

Construcción - Luis Rodrigo

Construcción

Esta exposición conjuga la obra más reciente de Luis Rodrigo, quien además de trabajar pintura ha experimentado en diferentes disciplinas del saber-hacer del arte. Luis Rodrigo es capaz de permear su lenguaje a través de diferentes materiales creando instalaciones o haciendo intervenciones en diferentes espacios. Hoy, el trayecto que ha venido desarrollando su proceso creativo, desemboca en la pintura como un homenaje a una práctica milenaria, en la que enfatiza que ella, todavía es marca de la producción artística contemporánea. 

La atracción de la obra de Luis Rodrigo está caracterizada por ser una expresión gestual que desciende desde la mano, es una conjugación pictórica que se relaciona con el espectador por la capacidad de generar vibraciones. En este sentido, se puede hablar de una relación estética con la obra, que se da gracias a los trazos gestuales que se desbordan y se contraen para “decir”. La repetición de los elementos en cada uno de los lienzos marca la construcción de un lenguaje a través de signos. “Construcción CCCN” nace con la consigna de no jugar con la escritura ni la figuración, con ser un proyecto de piezas numeradas, al menos hasta a cien obras. Cada lienzo es capaz de captar, más allá de una pincelada, un gesto, una expresión que desarrolla una seria de códigos, hasta llegar a un lenguaje capaz de ligarse a los sentidos. Los formatos pequeños y medianos crean un ambiente íntimo, visible, mientras que el gran formato se convierte en un espacio habitable, invita al cuerpo a intervenir, a entrar.

Las líneas, los círculos y las pinceladas se entrometen en el lienzo, cada elemento repercute con la obra misma, como si se fueran a devorar entre sí, en un sentido orgánico. Pareciera que los componentes tuvieran peso, ligereza, dirección y movimiento, pero, ahí, está la pausa, el silencio.

Natalie Gama Pourdanay

Texto curatorial
Exposición
Museo de la Cancillería