MORTEN SLETTEMEAS -blue sky, black ground, brown ground

MORTEN SLETTEMEAS

blue sky, black ground, brown ground

Esta exposición presenta la obra realizada por Morten Slettemeås en los últimos dos años que ahora empieza a distar de lo que había realizado tiempo atrás. Lo cierto es que hoy la paleta de color, la potencia, el juego, la yuxtaposición de colores para crear formas y paisajes no se han dejado de lado, hay una depuración en el uso del color y en  la composición de esos paisajes y aquellas figuras por vislumbrarse.

Ahora el artista simplifica la composición usando menos colores, espacios pictóricos más amplios, reduce formas a pinceladas y abandona la perspectiva de manera que el espectador busca reflexionar sobre lo que está viendo. Pone en tela de juicio si se trata de un paisaje o, de simplemente, un dejo con brochas y pintura que no siempre asimilan las figuras de cielos, playas, montañas o plantas.  Cuando se percibe que el punto de convergencia entre las obras se da bajo la influencia de la naturaleza es que los paisajes, las plantas, el umbral de la luz y los colores de un panorama lleno de vida surgen, así la empatía entre la obra y el espectador florece.

Esta obra promueve la imaginación de espacios y paisajes, su particularidad se da por la simplicidad de los gestos y los modos del decir a través del arte, de manera que el espectador puede ejercer un papel fundamental en la dialéctica entre lo que es y pudiera ser la obra de Slettemeås. En este sentido, hay una intención que apela por despertar el instinto que va más allá de la búsqueda de comprender la obra racionalmente. El campo de lo sensible emerge para detonar la capacidad de imaginación sin la necesidad de intelectualizar, se convierte en una cuestión completamente estética. Dejamos de lado la razón para darle cabida a las sensaciones, donde las explicaciones y los conceptos no son necesarios para relacionarse con la obra. Se vuelve una relación háptica que despoja el espacio inmanente de esa razón que, a veces, todo lo nubla.

Natalie Gama Pourdanay

Junio, 2017

Exposición en el Museo de la Cancillería

IN T E R F E R E N C I A | H É C T O R F A L C Ó N

 IN T E R F E R E N C I A 

 H É C T O R  F A L C Ó N 

Héctor Falcón presenta una serie de piezas intervenidas; los libros, los objetos y las pinturas se convierten en instalaciones y esculturas. Son la marca de la evolución del trabajo que ha venido desarrollando a partir de la idea de interferir. Héctor Falcón sigue mostrando una actitud transgresora, pues el artista ha buscado a lo largo de su desarrollo creativo, escaparse de las fronteras del deber-ser y del saber-hacer. No es coincidencia que lo que presenta esta exposición conjugue con la marca emblemática que ha definido su trayectoria: la intención de corroer, interrumpir, interponer, transgredir… 

Desde esta intención, la obra pictórica rompe con el esquema tradicional de la pintura, la presentación que hace de ella, que surge desde esta misma búsqueda, se escapa para posicionarse como una instalación lograda a partir de un juego de yuxtaposición en el que la pauta de realización está controlada. Incluso, los lienzos transgredidos por cortes intencionales se adecuan a la naturalidad gestual con la que son ejecutados. La permisibilidad de pensar al creador como libre, es una expresión más de la interferencia en las estructuras determinadas del saber-hacer. Con esta misma premisa, interfiere objetos, elementos, imágenes identificables en las que no esboza narrativas, sino busca provocarlas; en los libros revierte la posible reutilización convencional de estos como recurso artístico para despojarlos de su finalidad primaria y posibilita la facultad transgresora del saber sobre el saber mismo. 

A través del arte propone el posicionamiento de nuevas nociones que no busquen acaparar el sentido del objeto que interviene, sino que proliferen las posibilidades que tienen ellos mismos. En este sentido, la noción del objeto se convierte en algo maleable, dúctil, heterogéneo, capaz de modificarse. No sedentariza la definición estructural de la capacidad de operación del objeto. El autor no pretende determinar, ni estructurar un saber cerrado, sino construir desde lo dinámico e integrar lo diverso para generar posibilidades de creación y pensamiento. Se convierte en promotor de la crítica, para inspirar discursos posteriores, adicionales, complementarios. Suscita ideas, al tiempo que se escapa del papel del crítico convencional, pues no hay valores axiológicos que despojen las características que conforman las ideas.

Héctor Falcón es un artista sintomático de la sociedad contemporánea en la que hay una necesidad de pensar los sucesos y reflexionar el comportamiento actual, esta sociedad exige una postura abierta en la que las nociones de pensamiento sean flexibles en la que haya la permisibilidad de comprender la multiplicidad de rasgos que la definen. Falcón, el artista, lo posibilita. 

 Natalie Gama Pourdanay

Galería Enrique Guerrero

Abril 27, 2017 

CONSTELACIONES de Ernesto Ríos

CONSTELACIONES

 Ernesto Ríos

CONSTELACIONES

El examen del hombre y de sus símbolos es, de hecho,
 el examen de la relación del hombre con su propio inconsciente.

John Freeman

El trabajo que Ernesto Ríos presenta en esta exposición consta de pinturas y esculturas con cerillos reciclados. La convergencia entre ellas está dada en la medida en que se entienda como una constelación en el sentido en que reúnen sus intereses e inquietudes en torno a la interacción que existe entre los códigos, los signos y el lenguaje. Su trabajo resalta la capacidad que el ser humano tiene, desde siglos atrás, de generar símbolos que comprende la de representación de sí mismo en relación con el mundo. A través de la asimilación de esquemas simbólicos o de mapas codificados o decoficables, el artista reivindica el sentido primario de razonamiento del ser.

La obra pictórica juega con la percepción visual pero también con la cognitiva; la distancia entre el  espectador y la obra va a determinar lo que se entiende ante lo que se ve. Podría parecer desde un laberinto, hasta un código binario; conforme el espectador se acerca a la pintura se hace posible ver signos, números, palabras o letras que fueron delineados con pinceles milimétricos y que, desde cierta distancia, podrían casi percibirse como una impresión digital.

La obra tridimensional puede asimilar la estructura del ADN de ritmo helicoidal, una edificación arquitectónica, elementos ornamentales o las historias de alguna tribu antigua.

Su producción artística abre distintas posibilidades de lectura, pues sus obras se asemejan a una representación geográfica, trazos geométricos de algún asentamiento urbano, la tarjeta madre de una computadora o incluso mapas de constelaciones, es decir, asimila códigos y esquemas que bien podría el hombre haber utilizado desde hace miles de años hasta las estructuras de cómputo actuales. Ríos hace énfasis en que el sistema de representación del mundo y los códigos, a través de los cuales el hombre ha marcado y desarrollado su paso por la historia, tienen las mismas bases fundacionales. Señala que existen estructuras que, más allá de que de que hayan sido heredadas, son esquemas que moran en el inconsciente, que se siguen compartiendo, que se entienden y que rebasan fronteras como la de los idiomas, pero no las del lenguaje. A pesar de que la imagen de la obra pictórica o escultórica no explica un código, esquema o mapa en específico,  el espectador se acerca en busca de encontrar un significado, a descifrar, pues tiene un rasgo compresible, compartido, arquetípico. El artista presenta una suerte de discurso en la que dice que hay una simbología que ha permeado al hombre en toda su existencia, esta simbología es la relación con su propio inconsciente.

Natalie Gama Pourdanay

Texto curatorial 

Galería Sismo

Marzo 16, 2017

Quirarte+Ornelas Extrapolación

Quirarte+Ornelas

Extrapolación

Un rizoma no empieza ni acaba, siempre está en el medio,
entre las cosas, inter-ser, intermezzo.

Gilles Deleuze y Félix Guatarri

Habrá que comprender el trabajo artístico de Quirarte+Ornelas desde una perspectiva amplia, con una noción capaz de entender que lo que se ve es parte de un mecanismo de producción de años de conformación, en el que hay un proceso de investigación sobre la forma en sus diferentes estados, ya sea como objeto, concepto o imagen pictórica. La obra invita a poner en tela de juicio el estado “original” de la forma;  ésta, tridimensional o bidimensional, sugiere que el mundo matérico puede ser también concebido de otra manera. El trabajo de Quirarte+Ornelas induce a observar desde esta noción el sistema de ejecución a partir de la pluralidad de la obra. El rizoma, como herramienta epistemológica, permite pensar en la organización de elementos, su desarrollo y evolución desde cualquier punto sin seguir una dirección determinada.

Lo que se presenta en esta exposición es sólo una parte del entretejido de posibilidades de creación de otras piezas. El punto de partida no es la estructura tridimensional o la escultura, sino el proceso creativo lo que hace posible su proliferación bajo una estructura libre, aunque delineada. Las piezas, como un rizoma, crecen indefinidamente, se posicionan como un nodo del que se generan líneas de conexión hacia la creación de otras piezas. Por eso es imposible pensar en un inicio y un fin: el entramado de su producción es rizomática, apela a la generación del conocimiento que no está dado por una estructura lineal, sino múltiple.

La mayor parte de las estructuras son llevadas al plano pictórico, sin embargo, ello no quiere decir que sea su último estado, pues se abre a la posibilidad de que se conviertan en cualquier otra cosa. Pueden pasar al plano pictórico o bien devenir una pieza bidimensional realizada con hilo, de la misma manera en que una estructura base como una pirámide puede convertirse en el negativo de una escultura, o ser la pauta de otra pintura o escultura. La extrapolación de formas bidimensionales y tridimensionales, y de los conceptos que las determinan, está marcado por el proceso creativo. Las piezas son resultado de un desarrollo fundado en la conexión que hay entre cada una de ellas, y es esa conexión la que las entrelaza.

La propuesta artística anuncia la posibilidad de diversificar una misma pieza con la idea de replicarla alterando algunas características como el soporte, la forma o el material, y, fundamentalmente, con la pieza misma. Es en ese suceder que la diferencia está marcada; la intencionalidad de hacer una pieza semejante a otra catapulta a un polo distinto, aunque no necesariamente opuesto. Se trata de tender puentes, de conectar saberes y haceres; lo que hace evidente el entrecruzamiento y la extrapolación de objetos y conceptos es la obra.  Lo demás, aunque invisible, es el sólido fundamento del trabajo de este dúo de artistas. El proceso de creación a nivel cognitivo está en constante desarrollo. No hay duda de que lo que sigue será una nueva propuesta nacida en el cruce de caminos de múltiples conexiones y saltos que la obra de Quirarte + Ornelas ofrece.

-Natalie Gama Pourdanay

Exposición en SISMO Gallery. Del 29 de enero al 4 de marzo de 2017. 
Sismo Gallery
Celaya 4, Hipódromo Condesa, CDMX

sismo.gallery

www.quirarteornelas.com